Jonathan Yeung. 6 de abril de 2025. Arch Daily.
La integración de elementos naturales en el diseño arquitectónico ha sido desde hace tiempo una búsqueda fundamental para crear entornos confortables y sostenibles que mejoren tanto el bienestar individual como la relación entre los edificios y su entorno. En zonas con vastos paisajes , la incorporación de elementos naturales es esencial para conectar fluidamente la arquitectura con su entorno. Por el contrario, en entornos urbanos densos dominados por estructuras edificadas, la introducción de vegetación se vuelve cada vez más vital, reintroduciendo la naturaleza en la llamada » jungla de asfalto «.
Sin embargo, más allá de los elementos paisajísticos convencionales, como fuentes , muros verdes, jardines o patios, los arquitectos están redefiniendo el significado de construir con la naturaleza. El enfoque se ha desplazado hacia una profunda integración de la arquitectura con su entorno natural, creando experiencias espaciales inmersivas que difuminan los límites entre lo construido y lo orgánico, «domesticando» la naturaleza. Cuando se ejecutan con éxito, estos diseños van más allá de fomentar el bienestar o promover un estilo de vida saludable; evocan una profunda sensación de tranquilidad, poder y armonía, transformando la forma en que percibimos y habitamos el espacio.
Tras la posguerra, los avances tecnológicos y los materiales de construcción permitieron a los arquitectos construir estructuras más altas, resistentes y resilientes. Esta época se caracterizó por el afán de superar los límites de la altura, la eficiencia estructural y la innovación en ingeniería. En el contexto actual, donde la búsqueda de la verticalidad extrema ha alcanzado su máximo auge, los arquitectos están cambiando su enfoque. Aprovechando la tecnología contemporánea, exploran nuevas formas de diseñar espacios que fomenten una renovada apreciación por la naturaleza, desafiando los límites convencionales y redefiniendo la relación del entorno construido con el mundo natural.
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Caminando con el agua : Un enfoque radical a la arquitectura sumergida
El agua se considera a menudo uno de los mayores retos de la arquitectura, ya sea para prevenir fugas, diseñar para zonas propensas a inundaciones o resistir la presión hídrica en espacios habitables. A pesar de su imprevisibilidad, arquitectos y diseñadores han buscado continuamente maneras de controlarla e integrarla en las experiencias arquitectónicas. Uno de los primeros y más emblemáticos ejemplos de este esfuerzo es la obra «Fallingwater» (1930) de Frank Lloyd Wright, que fusiona magistralmente la forma construida con un arroyo en cascada, creando la ilusión de armonía entre la naturaleza y la estructura.
Partiendo de esta fascinación por controlar el agua, el Museo de Arte Zaishui de Junya Ishigami lleva el concepto a una escala sin precedentes, disolviendo la arquitectura en el agua en lugar de simplemente integrarla. A diferencia de las estrategias de impermeabilización convencionales que tratan los edificios sumergidos como «bañeras» selladas, separando el agua de los espacios habitables, el diseño de Ishigami permite que el agua fluya directamente a través del edificio. Con una asombrosa longitud de 1 km, la estructura no se construye simplemente cerca o sobre el agua, sino que está completamente sumergida en ella, permitiendo que el agua entre por ambos lados del edificio, redefiniendo la relación entre la arquitectura y su entorno natural.
El resultado es una experiencia espacial fascinante: recorrer el museo se siente como caminar junto al agua. Los visitantes no solo ven y escuchan el movimiento del agua del lago recién creado, sino que también interactúan físicamente con su presencia. Dentro del museo, el agua fluye suavemente, controlada por sutiles intervenciones arquitectónicas. Las pendientes cuidadosamente diseñadas mantienen un delicado equilibrio entre los espacios húmedos y secos sin separaciones visibles ni físicas, permitiendo que los humanos coexistan con el agua en lugar de estar completamente aislados de ella. Los cerramientos de vidrio, en lugar de extenderse completamente hasta los cimientos, dejan deliberadamente huecos en la base, permitiendo que el agua fluya hacia adentro y hacia afuera mientras los mecanismos absorben las fuerzas laterales de las corrientes y el viento. Esta sincronización entre los niveles de agua interior y exterior crea un efecto de «filtrado», donde el agua dentro del museo refleja el movimiento del lago circundante, pero con un movimiento suavizado, reforzando la ilusión de control arquitectónico sobre la naturaleza.
Lograr una interacción tan aparentemente fluida con el agua requirió una cimentación compleja y de alta ingeniería. Un sótano impermeable, oculto bajo la estructura sumergida, alberga los sistemas esenciales de climatización, electricidad, refrigeración y aire acondicionado (HVAC), electricidad, plomería y drenaje, manteniendo los elementos técnicos ocultos. Además, un sofisticado sistema de gestión del agua regula las fluctuaciones causadas por las lluvias o los cambios en el nivel del lago, garantizando la habitabilidad de las zonas secas. A pesar de su apariencia poética y serena, el diseño de Ishigami se sustenta en una red de mecanismos ocultos que coreografían cuidadosamente el movimiento del agua dentro del espacio.
Más allá de su enorme escala, el Museo de Arte Zaishui evoca una profunda sensación de poder, ofreciendo a los visitantes la singular experiencia de caminar dentro de un espacio interior donde el agua parece estar controlada, pero nunca completamente contenida. El resultado es una estructura que no solo se resiste a la naturaleza, sino que entabla un diálogo continuo con ella, creando una atmósfera de equilibrio, tranquilidad y una serena autoridad sobre las fuerzas incontrolables del mundo natural.
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Encuentros texturales: acercando los detalles de la naturaleza
El Edificio 35 Green Corner de Anne Holtrop redefine la relación simbiótica entre la arquitectura y la naturaleza al acercar las experiencias texturales a la intimidad. En lugar de entablar un gran diálogo de control sobre vastos paisajes —como sumergir a los visitantes en agua—, el proyecto reinventa elementos naturales como la arena y la piedra, fundiéndolos con materiales alternativos y congelándolos en el tiempo. Esta transformación invita a los visitantes a una interacción táctil y personal con el lenguaje de la naturaleza, creando una experiencia controlada pero evocadora.
La noción de control en este proyecto difiere significativamente de los enfoques convencionales. En lugar de manipular físicamente las fuerzas naturales, se centra en la representación material, creando una ilusión dentro de un marco controlado. En entornos naturales, los visitantes pueden experimentar de cerca las superficies rocosas y las texturas arenosas, incluso en interiores. Tomemos, por ejemplo, el Templo de las Cuevas de Batu en Kuala Lumpur, donde las inmensas formaciones rocosas configuran la experiencia espacial. Si bien estos elementos naturales contribuyen a la atmósfera y la escala monumental del templo, permanecen pasivos: uno los observa, pero rara vez interactúa con ellos directamente.
En contraste, el Edificio 35 Green Corner permite una interacción física inmediata con las texturas de la arena y la piedra. Los paneles moldeados en arena, ubicados al alcance de la mano, invitan a los visitantes a tocar e interactuar con sus superficies. La escala compacta del edificio —con un ancho máximo de 6 metros— amplifica aún más esta intimidad, asegurando que los habitantes se muevan en estrecha relación con estas texturas elaboradas. Los propios paneles difuminan la línea entre estructura y función: algunos permanecen fijos como parte de la fachada, expresando su resistencia estructural, mientras que otros sirven como elementos operables, como puertas y umbrales. Este camuflaje deliberado fomenta una conexión táctil, ya que los usuarios descubren las entradas a través del tacto en lugar de la vista.
Más intrigante aún, el proyecto de Holtrop logra este efecto no utilizando materiales naturales auténticos, sino replicándolos mediante un medio completamente diferente. Mediante una cuidadosa manipulación y fabricación de los materiales, el edificio domina la presencia de la arena y la piedra, transformándolas en elementos arquitectónicos que capturan la esencia de la naturaleza sin depender de sus formas crudas. De este modo, el proyecto ofrece una reinterpretación refinada y controlada de las texturas naturales, demostrando cómo la arquitectura puede evocar una atmósfera de autenticidad material mediante la abstracción y la artesanía.
Un diálogo con el terreno: una arquitectura que enmarca la evolución de la naturaleza
¿Qué pasaría si la arquitectura no se limitara a sumergirse en la naturaleza o recrearla, sino que se convirtiera en una representación de la naturaleza misma? Esta fue la ambición fundamental del Museo de Arte de Teshima de Ryue Nishizawa , finalizado en 2010. En lugar de simplemente sumergir la estructura en el pintoresco paisaje de la región de Setouchi y la isla de Teshima, Nishizawa buscó revelar la belleza de los accidentes geográficos, no observándolos desde arriba, sino habitándolos desde abajo. El objetivo del proyecto no era replicar las texturas ni los materiales de la naturaleza, sino plasmar su forma y geometría.
Al integrarse a la perfección con el paisaje, el Museo de Arte de Teshima ofrece a los visitantes una experiencia espacial inigualable. Envueltos en su fluido armazón de hormigón blanco, los visitantes aprecian los contornos de la isla de una forma completamente nueva. El suelo natural se convierte en la cubierta del museo, definiendo el límite entre el interior y el exterior, enmarcando el cielo y el paisaje circundante, y finalmente fundiéndose con el terreno . En ese momento, el visitante se siente envuelto por una abstracción de la naturaleza: su forma y su presencia, más que su materialidad.
El proyecto no solo se inspiró en el terreno, sino que también se moldeó físicamente gracias a él. En colaboración con ingenieros estructurales, la delgada estructura de hormigón del museo se fundió directamente a partir de los contornos naturales de la isla, creando una continuidad perfecta entre la arquitectura y el emplazamiento. Una vez establecida la forma, se necesitaron seis semanas para excavar cuidadosamente el interior, un proceso que resalta la precisión técnica detrás de su diseño aparentemente natural. El resultado es una estructura que captura y preserva la topografía de la isla en un instante congelado, pero que a la vez mantiene una profunda conexión con su paisaje en evolución. Más que un diálogo entre la forma construida y la naturaleza, el proceso de construcción en sí se convirtió en una interacción con el terreno: primero adoptando su forma, luego remodelándola mediante la excavación y, finalmente, devolviendo la tierra desplazada a la isla, completando un ciclo de transformación.
Sin embargo, a pesar de su forma estática, el museo invita a la contemplación del cambio . El terreno que lo rodea continúa cambiando —la vegetación crece, la erosión altera los contornos de los montículos— mientras que el museo permanece inflexible. Esta yuxtaposición transforma el proyecto en algo más que un simple edificio; se convierte en una meditación sobre el tiempo , la naturaleza y la forma en que percibimos el suelo bajo nuestros pies. Al traducir la topografía terrestre en una experiencia arquitectónica, el Museo de Arte de Teshima eleva algo que a menudo se da por sentado —nuestro propio terreno— a un tema de apreciación y reflexión.
Este artículo es parte de los Temas de ArchDaily: Atmósfera en la Arquitectura y Percepción del Espacio , orgullosamente presentados por Vitrocsa , las ventanas minimalistas originales desde 1992.
Vitrocsa creó los sistemas de ventanas minimalistas originales, ofreciendo soluciones sin marco con las barreras de línea de visión más estrechas del mundo. Durante más de 30 años, hemos buscado la innovación y la excelencia suiza para transformar ambiciosas visiones arquitectónicas en realidad, mejorando las atmósferas a través de la luz, la transparencia y el diseño.
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